À Lafayette Anticipations, l'œuvre d'art devient rituel mystique et transe collective

En 1911, le peintre Vassily Kandinsky publie son essai Du spirituel dans l’art, dont le titre résume une idée claire : pour se renouveler, l'art gagne à emprunter le chemin du spirituel. Des statuettes tribales trouvées dans de multiples civilisations aux performances de Michel Journiac, Mona Hatoum et Anne Imhof, mettant en scène des rituels individuels ou collectifs, en passant par les photographies spirites, les toiles énigmatiques de Hilma af Klint à la fin du 19e siècle, ou encore les vidéos plus récentes de Jeremy Shaw, retranscrivant à l'image les états de transe et d’extase, les artistes redoublent d'idées depuis des siècles pour donner forme à l'intangible et à l'indicible. Une démarche qui invite, souvent par le biais du rituel, à sortir des carcans du rationnel pour trouver les clés qui permettront de mieux appréhender le réel. L'exposition collective “Au-delà. Rituels pour un monde nouveau”, présentée jusqu'au 7 mai 2023 à Lafayette Anticipations est irriguée par cette réflexion. 

Loin de développer une approche chronologique ou scientifique de son sujet, sa commissaire Agnes Gryczkowska réunit dans l'espace fondation parisienne une trentaine d’œuvres réalisées à des époques diverses – de 2700 avant J.C. à aujourd'hui – et dans de nombreux médiums – du textile et la peinture à la vidéo et au son... – pour montrer la manière dont la spiritualité a pu façonner l'art. Parmi cette sélection purement subjective, chaque œuvre explore à sa manière le domaine du sacré et propose autant d'outils pour mieux comprendre l'environnement qui nous entoure qui s'avèrent, même des siècles plus tard, plus pertinents que jamais. Notamment à l'heure d'une époque incertaine saturée par l'information et d'un déclin du mysticisme, contré timidement par l'émergence d'une foi nouvelle dans le domaine de l'occulte.

Le symbole, outil mystérieux qui transcende les époques et les médiums

Au centre de l’espace de Lafayette Anticipations, cinq grands mâts en bois noir surmontés chacun d'un quartz lumineux cernent un chemin tracé dans un bassin de sel blanc. Alors que le placement de ces sculptures dessine vu d'en haut les pointes d'un pentagramme, les cercles concentriques se révélant sur le sol salin écrivent au sol un langage visuel cryptique. Dans cette installation in situ baptisée Beltane Oracle, Bianca Bondi célèbre l’entrée dans la période estivale par l'apparition, entre autres, de ces motifs talismaniques. La jeune artiste sud-africaine le rappelle par cette œuvre, qu'elle a d'ailleurs maculée de son propre lait maternel : tous les rites charrient avec eux un ensemble de formes qui deviennent, entre les mains de ses praticants, des symboles dont le sens reste souvent énigmatique. Au sein de l’exposition, plusieurs de ces éléments chargés de sens apparaissent en effet d'une œuvre à l'autre, guidant le spectateur comme de boussoles.

Les arabesques des trois tableaux du Suisse Tobias Spichtig, accrochés sur la mezzanine, semblent répondre aux nombreux cercles colorés et formes géométriques qui composent la toile du duo TARWUK – et rappellent également les peintures de Sonia Delaunay. Ces derniers font eux-mêmes écho aux gravures colorées de Janina Kraupe-Swirdska, où des éléments ambigus proches du monde végétal génèrent des compositions hiéroglyphiques. L’échantillon d’œuvres présentées ici le montre : chargés d’une part occulte voire ésotérique, les nombreux symboles qui se répondent ici forment autant de clés pour outrepasser les frontières définies par l’histoire, la culture ou encore la rationalité scientifique, tissant des liens inédits entre les œuvres, les pratiques et les époques. Comme l'atteste le succès tardif mais fulgurant de la peinture de Hilma af Klint, artiste suédoise considérée comme précurseure de l’abstraction en Occident, la présence des symboles dans la création artistique est aussi gage d’une liberté d’interprétation qui permettra, à l’artiste comme au spectateur, d’aller au-delà de la grille de lecture préétablie. Dans une époque toujours plus verbeuse, le langage symbolique apparaîtrait alors comme un exutoire nécessaire afin d'empêcher l’abondance d’explications d'éteindre définitivement la possibilité du mystère.

L'apparition de la figure humaine, entre rêve et cauchemar

Sur un grand morceau de cuir noir circulaire, l'artiste canadienne Tau Lewis a dessiné en assemblant des morceaux de tissus la forme voluptueuse d'une figure féminine encerclée de symboles Adinkra, issus de la communauté Akran du Ghana. L'œuvre l'affirme frontalement : les symboles peuvent apparaître d'autant plus puissants lorsqu'ils sont incarnés. Raison pour laquelle la commissaire d’exposition distille discrètement dans l'exposition plusieurs figures, tantôt humaines, tantôt proches du divin. À quelques pas des petites sculptures précycladiques en pierre ou d'un masque rituel éclairé de l'intérieur, plusieurs figures noires totémiques faites de fils tressés invitent ainsi dans l'espace une présence aussi inquiétante que rassurante. Virtuose de la sculpture textile, l'artiste française Jeanne Vicerial s’est inspirée ici des reine françaises déchues pour donner naissance à ces créatures matriarcales et fantomatiques, réunies debout ou allongées telles des gisantes dans un moment de communion silencieuse. Dans les vidéos de son cycle Tragedia Endogonidia, diffusées sur plusieurs téléviseurs, Romeo Castellucci invite cette fois-ci des personnages bien en chair et en os. Cette méditation sur le théâtre en plusieurs épisodes fait du corps un outil majeur de la catharsis : on voit, par exemple, un comédien léviter mystérieusement au-dessus d'un lit ou un autre déverser du sang sur un corps nu. À travers ses séquences à la dramaturgie évidente, l'artiste transforme la scène de théâtre en lieu clé pour accueillir plus littéralement diverses formes de rituels.

Pour introduire son exposition, la commissaire parle d’un “voyage surréaliste”, expression qui suggère une certaine distorsion du réel où les rituels conduiraient jusqu'au champ du rêve... voire du cauchemar. Dévoilé récemment lors de son exposition personnelle au Moderna Museet de Stockholm, le film Songs for living de l'artiste thaïlandais Korakrit Arunandonchai, réalisé en collaboration avec Alex Gvojic, traduit parfaitement cette ambivalence. Dans un New York lugubre et chaotique capturé au sortir de la pandémie, le film présente l'odyssée nocturne d'anges macabres aux ailes noires et aux visages poudrés de blanc juchés sur des motos, en train de reprendre possession d'un espace urbain délaissé par les semaines de confinement. La promesse d’un voyage intérieur semble en effet tenue, appuyée par une sélection d’œuvres régies par des perceptions de l’espace et du temps fondamentalement différentes, qui dépassent de loin le cadre de la logique et de la raison.